Comentaré hoy una serie que comenzará el próximo mes en nuestro país, salida de la pluma -y los lápices- de Bill Willingham, al que muchos conocerán por ser el creador y guionista de Fábulas. Probablemente no será un cómic superventas, pero creo que tiene algunas virtudes nada desdeñables. Llegaremos a ellas, pero primero les pongo un poco en situación (intentaré chafar lo mínimo posible).

Los que todavía no hayan visto nada de la serie y sean capaces de reconocer a todos los personajes de la foto de aquí arriba, enhorabuena, se ve que son buenos conocedores del Universo DC. Para los demás, haré una presentación mínima. De arriba a abajo y de izquierda a derecha:

-La chica del antifaz es Nightshade, personaje originalmente propiedad de la Charlton y que fuera cocreado por Joe Gill y Steve Ditko. Quizá alguien la recuerde como miembro de la Suicide Squad, de los tiempos de Zinco. Aparte de eso, un servidor ni idea (bueno, sí, lo que dicen en la Wikipedia). Por lo visto hasta ahora, parece un poco sobradilla, y la verdad es que es bastante poderosa. Tiene acceso a una cierta dimensión oscura que utiliza como lugar de paso para teleportarse, y de la que saca una sustancia, esto, oscura, que utiliza para crear golems de materia-sombra bastante fuertes, además de toda forma que se le ocurra. Una especie de Green-Black-Lantern, vamos.

-El caballero del almofar es un tal Nightmaster (¿”Amo de la noche”? Pues suena a Tony Manero…), propietario de una espada mágica llamada Sword of Night (Espada de la Noche, cómo no). Todavía no sé muy bien qué es lo que puede hacer el cachirulo de marras, aparte de mantener al mancebo joven y lozano. Hace las veces de jefe del grupo, y les proporciona su lugar de reunión, un bar dimensional llamado Oblivion… aunque este lugar será uno de los problemas de estos primeros números.

-El demonio azul es, ¿lo adivinan? Sí, Blue Devil. Demonio azul. Y es, pues eso, un demonio azul. Es fuerte y le gusta dar mamporros a sabuesos del infierno, demonios, dragones y a todo bicho del averno que se le ponga por delante. También tiene un tridente que escupe fuego y puede enviar a los demonios a su lugar de origen. Sí, ya sabemos de otro demonio al que le gusta repartir leña, y Willingham también: no falta el chiste endógamo.

-El embozado harapiento es un tal Ragman (”Hombre Retal”, pero “rag” también significa “tormento”, lo que le da un doble sentido, intraducible creo yo, al nombre). Es uno de los pocos superhéroes judíos, y viste un traje de retales -como ven- que le conectan con las almas de criminales que, a cambio de cierta redención, le ceden parte de su energía. Ésta puede hacerse servir como fuerza, resistencia o velocidad, y no sé si algo más.

-La señora de las… esto, la señora de verde es The Enchantress, la Encantadora. Otra que pudo verse por el Suicide Squad. Es una maga muy poderosa y digamos que de carácter bastante variable. Puede ser Encantadora, o puede gastarse muy Mala Uva. Pero no iba a ponerse ese nombre, claro.

-Y sí, sí es lo que parece. Es un chimpancé. De hecho, es el Detective Chimp(ancé). No tiene poderes, esto, cool, pero tiene la habilidad mágica de entender a y hablar con todo bicho viviente. Es un ex-alcohólico y -todavía- fumador empedernido. ¿Que qué hace en esta serie? Pues tener una excusa para salir en la portada. Ya saben que un mono en la portada vende más tebeos.

Aparte de estos personajes, que forman el Shadowpact (”Pacto de Sombra”) propiamente dicho, hemos podido ver al Phantom Stranger (esto… ¿Fantasma Desconocido?) introduciendo la historia y jugando un cierto papel en el primer arco. También ha aparecido Rex, el perro. Que habla, como Detective Chimp. Ah, y en el primer número salen Superman y Green Lantern.

¿Y de qué va la serie? Respuesta: de un grupo de superhéroes que se dedican a combatir amenazas mágicas en tiempos revueltos por lo que al tema se refiere. Hay que decir que los motivos de reunión del grupo tienen que ver con algo que ocurre en la miniserie Day of Vengeance, editada en las previas a la Crisis Infinita. El caso es que el tebeo comienza con el Shadowpact ya formado, sin que sepamos -si no hemos leído la miniserie aludida, se entiende- quién porras son esos tipos o por qué están juntos. Y claro, ya sabemos que no son personajes muy conocidos. De todos modos, esto no representa mayor problema si uno tiene un poco de paciencia. Willingham deja hacer a sus personajes y que estos se presenten a sí mismos, y al fin de estos cinco números sabemos, creo yo, todo lo que necesitamos saber sobre ellos y sobre qué hacen juntos.

Quienes lean Fábulas ya deben saber cuáles son los puntos fuertes -y no tan fuertes- de su guionista. En mi opinión, Willingham es un escritor bastante competente, capaz de hacer tebeos entretenidos sin reinventar la rueda ni revolucionar el medio. Ni falta que le hace. A partir de elementos a priori bastante vistos, y siguiendo unas pautas que podrían formar parte de un canon, mezcla acción, un poco de humor, buenos diálogos, algo de épica, giros argumentales, personajes arquetípicos y fácilmente reconocibles, momentos dramáticos, guiños al lector, magia y elementos fantásticos… Una coctelera con ingredientes ya conocidos, pero mezclados en buena proporción y muy bien servidos. Se le puede achacar que es poco original, que sus tebeos no aportan nada novedoso al medio, y seguro que hay a quien le deja frío. Pero a algunos nos parece un tipo que hace unos tebeos geniales para pasar un buen rato sin mayores complicaciones, y me refiero concretamente a los citados (dicen por ahí que su Robin es bastante espesillo…) Además, no es precisamente de los que alargan innecesariamente las tramas. El primer arco es de tres números, y luego van dos historias más o menos autoconclusivas (la primera es un flashback, y la segunda sigue las consecuencias del primer arco). Por otra parte, sus superhéroes son superhéroes más o menos “de toda la vida”, y se preocupan por cosas como cómo evitar -o minimizar en la medida de lo posible- las muertes en sus enfrentamientos con amenazas asesinas… antes de verse con ellas. Recuerdo un tebeo de Superman en el que decían algo así como que Superman es un héroe porque lamenta las muertes, aunque no las sienta. Esto se aplica aquí, y es algo que tiendo a echar en falta en algunas series. Debe ser nostalgia. O infantilismo.

Lo cierto es que Willingham apuntaba buenas maneras y creo que sólo le faltaba soltarse un poco la melena, pero dejó de escribir la serie a la altura del número 16, así que nos conformamos con lo dado. A mí estos primeros números me han servido para encariñarme con los personajes, en los que veo un enorme potencial como grupo.

Por lo que hace a la parte gráfica, los dos primeros números los dibuja el mismo Willingham, así como la portada del tercero. Se nota que le puso ganas, y la verdad es que no me han parecido nada mal (porque recuerdo otras cosas suyas que… como que no). El tercero corre a cargo de Cory “Invencible” Walker, mientras que de los dos siguientes se encarga Steve Scott; en conjunto ninguno de los artistas desmerece.

En resumen: si te gusta Fábulas, o los superhéroes de corte más bien clásico, o las historias donde la magia y la fantasía se combinan con la acción superheróica, te recomendaría que, al menos, trataras de echarle un vistazo a esta serie. Curiosa y entretenida, en mi opinión, y con un gran potencial. Ya veremos cómo sigue.

Después de algunos retrasos respecto de la fecha en la que fue anunciada, por fin vuelve a nuestro país la Legión de Superhéroes clásica, nada menos que la extensa y celebrada etapa que tuvo como guionista a Paul Levitz. Algunos lectores, entre los que me encuentro, todavía recordarán los tebeos publicados en su día por Ediciones Zinco, que incluyeron precisamente el final de dicho período (desde la saga del Proyecto Universo hasta el final de las Guerras Mágicas). Planeta de Agostini anuncia su intención de continuar la serie hasta donde sea posible y, si las ventas acompañan, no quedarse en la etapa de Levitz sino continuar más allá, cubriendo las amplias lagunas que este editorialmente maltratado supergrupo tiene en nuestro país. Esperemos que así sea, puesto que los legionarios, sin duda, lo merecen.

El formato elegido para la publicación me parece bastante adecuado: tomos de alrededor de 200 páginas, en tamaño algo más pequeño que el clásico comic-book, pero que resulta perfectamente legible, y en color… aunque, por suerte, desaparece el típico color “de puntitos” de la época y resulta, en cambio, plano… salvo que haya que recurrir al temido escáner, claro. Cuestión de falta de materiales que es una de las piedras en el camino que se encuentran este tipo de reediciones. En fin, la relación calidad/cantidad/precio resulta, me parece, bastante favorable.

Por lo que hace a las historietas en sí, nos encontramos ante un modo de entender el tebeo de superhéroes muy diferente al que prima en la actualidad. Las aventuras contenidas en cada episodio son más o menos autoconclusivas, aunque existen diferentes subtramas abiertas que se extienden a lo largo de la serie. De todos modos, cada uno de los cuadernillos originales se preocupaba por ofrecer suficiente diversión y acontecimientos como para resultar entretenido por sí mismo. Las historietas son, a consecuencia de esto, bastante densas, con páginas pobladas de texto y viñetas; esto, claro está, en comparación con los estándares actuales.

Y sobre la Legión, hay algo ciertamente difícil de explicar y que parece haber sido la causa de que este supergrupo haya mantenido un núcleo, si muchas veces reducido, también excepcionalmente fiel a sus aventuras. El suyo es un caso ciertamente singular, y que en absoluto pretendo analizar en este espacio. Baste decir que se distingue de otros supergrupos del Universo DC, en primer lugar, por tener lugar sus historietas en un hipotético futuro, y por el casi desorbitado número de miembros del que hace gala. Esto abre, ciertamente, posibilidades más complicadas para otros supergrupos, pero también ciertos problemas que, a la larga, se han revelado nefastos para su andadura editorial. Respecto de lo primero, nos encontramos ante un universo futurista que trasciende las fronteras de la Tierra y se abre a los ficticios Planetas Unidos -y más allá-. Los legionarios -a excepción de Superboy y Supergirl, por motivos obvios- se encuentran más o menos ajenos a la continuidad del Universo DC “presente”, con lo que se tiene más libertad para planificar sus historias. Además, al ser tantos y no tener muchos de ellos una excesiva carga icónica, se puede incluso tomar la decisión de matar -más o menos definitivamente- a alguno de ellos, cosa que ha ocurrido en varias ocasiones. Ahora bien, el hecho de “hipotecar” el futuro del Universo DC, el peso sobre la continuidad de los viajes en el futuro, y el hecho de haber mezclado en sus miembros a algunos héroes del presente como los citados Superboy y Supergirl, ha terminado complicando enormemente la historia del grupo. A partir de las Crisis en Tierras Infinitas de Wolfman y Perez comenzaron a surgir una serie de incoherencias que, poco a poco, fueron minando la credibilidad de las historias y, tras la marcha de Levitz, comenzaría un largo camino de sucesivos “revamps” que ha tenido una -penúltima- muestra en la reciente serie de Waid y Kitson publicada en nuestro país. Pero eso llegaría más adelante, y la realmente brillante etapa a cargo de Paul Levitz y otros estupendos artistas, especialmente Keith Giffen, pero también Steve Lightle, Pat Broderick o Greg Larocque, se abre ahora paso en nuestro mercado. Esperemos, como decía, que hayan vuelto para quedarse.

“Si no puedes con tu enemigo, únete a él”. Eso deben de pensar ciertos avispados editores franceses que, ante el empuje de ventas y popularidad del manga, han comenzado ellos mismos a editar tebeos con formato y estética similares, pero realizados por autores “de la casa”. Éste que nos ocupa es un caso ejemplar. El cómic estuvo pensado en un principio para ser editado en el formato álbum clásico de la BD, y de hecho, en los “extras” del tomo se reproducen algunas planchas de muestra del proyecto original. Sin embargo, más adelante se decidió remodelar la historia para adaptarla al formato manga. Y he aquí que, dejando de lado cuestiones como la ausencia de color o el -presumiblemente- diferente ritmo narrativo que el cambio presupone, algo ha debido quedar, sin lugar a dudas, incólume en la traslación: la enorme calidad del tebeo, BD o manga.

Nos encontramos ante una historia de ciencia ficción futurista, en la que se nos presenta una sociedad distópica y totalitaria en la que, sin embargo, hay fuerzas retroactivas… aunque no todo sea lo que parece. El guión es obra de Delphine Rieu, escritora que maneja con soltura la historia en todos sus aspectos. Una buena construcción de personajes, siendo como es una obra prácticamente coral, diálogos fluidos e interesantes, buena dosificación de la acción y el avance de la trama… Hay, en efecto, un trasfondo de cierta crítica social -como es habitual en el género, por lo demás-, pero no se pierde en metadiscursos: el cómic se sabe con ánimo escapista y, sin lugar a dudas, su mejor virtud es la de saber entretener.

El dibujo, por su parte, corre a cargo del español Javier Rodríguez y es uno de los elementos más destacables del tomo. Rodríguez resume las mejores virtudes del cómic europeo y asiático en una mezcolanza exitosa: un diseño de personajes en el que cada uno de ellos se encuentra perfectamente definido y es siempre reconocible (algo esencial en una obra de estas características), una ambientación cuidada y adecuada (”para el ghetto de Lolita me inspiré en el Raval barcelonés”, reconoce), una expresividad notable y una narrativa clara y dinámica. Un trabajo sin duda sobresaliente y que hace merecedor a su autor de todo nuestro reconocimiento.

Así pues, éste es un tebeo que gustará muy probablemente a aficionados tanto al manga como a la BD de carácter futurista, con un componente juvenil pero lecturas adultas, siendo como es divertido pero con elementos para la reflexión. Todo ello con un dibujo personal y brillante, que ha de convencer a seguidores de cómic europeo como asiático. En fin, si el “mestizaje” resulta que al final era esto, pues bienvenido sea.

MySpace de Lolita HR

Planeta de Agostini saca un nuevo título dentro de su Biblioteca Pachinco, esto es, su línea de manga para -en principio- lectores adultos. Y lo hace con Hechiceras, manga de apenas dos tomos obra de un autor casi desconocido por estos lares, Daisuke Igarashi. En efecto, si descontamos una de las secciones del libro colectivo Japón visto por 17 autores (Ponent Mon), ésta es su primera obra publicada en nuestro país… y, a tenor de lo visto, sólo cabe desear fervientemente que no sea la última.

Debo reconocer que lo primero que me llamó la atención fue -no era difícil- la unión de título y cubierta. La temática me resulta atrayente, pero, además, algo tiene ese rostro que me hizo pensar que, entre el aluvión de novedades propio de cada salón del manga, tenía que echar un vistazo al título. Otra cosa que me animaba es que tan sólo consta de dos tomos, con lo que no se eternizaría para completarse -si es que llegaba a hacerlo-. Bien, al final ni siquiera he llegado a hojearlo: me lo he traído directamente a casa. Y me alegro de haberlo hecho, pues puedo decir que es una de las lecturas más gratas que he realizado últimamente.

En primer lugar, destacaría el dibujo. Igarashi cultiva un trazo figurativo con profusión -obligado por la temática- de elementos fantásticos. Usa, al parecer, un entintado con plumilla, consiguiendo dar volúmenes y sombras a través de entramados de rayados. También aplica grises mediante tramas punteadas (mecánicas o, más probablemente, digitales). El resultado final nos ofrece un dibujo muy detallado, con una ambientación de escenarios y personajes brillante y sin perder un ápice de expresividad. La narrativa es siempre coherente, y la composición de página es cualquier cosa menos rígida, variando en tamaño, forma, posición y número de viñetas según sea requerido. Merece también destacarse la amplia variedad y mérito técnico y artístico de perspectivas y encuadres utilizados en la historia.

Al excelente aspecto visual se une lo interesante, para quien esto suscribe, de la trama. En esta primera entrega encontramos tres historias, todas con el núcleo común de la presencia de algún tipo de hechicera, esto es, de mujer que maneja algún tipo de poder arcano. Las tres, sin embargo, tienen una ambientación y protagonistas muy distintos. En el fondo de las tres historias late una temática que trasciende lo fantástico: el papel de las tradiciones, de los pueblos antiguos, del respecto a y el poder de la Naturaleza, de los misterios que no pueden cosificarse en meras palabras… Son temas que, en manos menos hábiles, pueden llevar fácilmente a un tipo de historia en el mejor de los casos simplista, pero que Igarashi conduce elegantemente y con abundancia de matices. El autor transmite una visión de las cosas personal, con la que puede o no estarse de acuerdo, pero que se hace, como mínimo, de respetar.

Lectura recomendable, en mi opinión, si les llaman los temas esotéricos, ecológicos, o simplemente fantásticos, pues bien admite una lectura como entretenimiento y/o como elemento para la reflexión. Se trata, en definitiva, de un manga excelente, con un dibujo intachable y una historia en la que no sólo se habla sobre magia, sino que contiene magia en sí misma.

Guión y dibujo: Daisuke Igarashi
Edición Original: Majou Vol. 1 JAP
Fecha Edición: noviembre de 2007
Formato: Libro rústica, 192 págs.
Precio: 6,95 €La edición de Planeta, bastante económica y con una calidad más que aceptable (con sobrecubiertas, lomo cosido y un papel algo grisáceo, pero que no dificulta la lectura). Pueden leer un avance de la obra en su web.

Entre las novedades que Norma Editorial nos trae este mes encontramos este tomo del -corríjanme si me equivoco- por aquí inédito autor Julien Neel. Se trata de un tomo autoconclusivo, que podría enmarcarse en el subgénero autobiográfico de carácter cotidiano, para que se hagan una idea. Con este tipo de historias, me atrevería a decir, prácticamente no hay término medio: o conectan con el lector, y la lectura es empática y gratificante, o no lo hacen en absoluto y sumen en el tedio más absoluto. Mi caso en este tebeo ha sido más bien lo primero, cosa que no esperaba en principio… pero no nos adelantemos; hagan un click aquí abajo y les cuento.

Lo primero: el slice of life (o tranche de vie, como prefieran), autobiográfico o no, no es un subgénero que suela llamarme la atención. He leído varios tebeos -que no mencionaré- y que no han conseguido conectar conmigo lo más mínimo. Otros, los menos, sí lo han conseguido… Las historias de Adrian Tomine, Phoebe Gloeckner, Ross Campbell o los españoles Guillem March o Calo, por decir algunos. Supongo que la cotidianidad pura y dura, la mediocridad sin más me aburre, simplemente. Incluso un tebeo al que le reconozco un gran valor como es Nunca me has gustado de Chester Brown (todo y que su Ed, el payaso feliz es de mis tebeos favoritos, aunque hay un abismo del uno al otro en muchos sentidos) no consiguió, por algún motivo, tocar ninguna fibra sensible. Tiene su lógica; este tipo de tebeos se basan, o suelen basarse, en un tipo de vivencias muy personales, de ahí el riesgo de que algo tan restringido pueda conectar o no con una mayoría de lectores. Pero tampoco pretendo teorizar sobre el tema; mejor me dejo de historias y les hablo sobre el tebeo en cuestión.

Les contaba todo esto porque, viendo el resumen del tebeo, la cosa no pintaba demasiado interesante, al menos para mí:

Julien Neel nos presenta un retrato tierno y sincero de su padre y de su relación con él durante la infancia, mezclando hábilmente realidad con ficción.

Un prestidigitador. Un padre y un hijo. Un viaje. Un dibujante sin saber qué contar. A veces, las historias de verdad están allí donde menos te lo esperas.

Traducido según lo que pensé: una historia sensiblona y aburrida sobre relaciones humanas cotidianas, muy interesante para quien lo cuenta pero un tostón para el que lo escucha (o lo lee, como es el caso). ¿Por qué me lo he traído a casa, entonces? Pues principalmente por el dibujo. A los que estén metidos en el tema de la Nouvelle BD les sonará sin duda su estilo, por ejemplo, a Sfar, con ese estilo en apariencia descuidado, apresurado y con profusión de rayitas, pero tremendamente expresivo, muy cartoon y algo infantilizado -en el buen sentido-. El caso es que me encanta; parece un cuento para niños, con colores planos, personajes caricaturescos y, ante todo, expresividad y claridad narrativa. He pensado que, al menos, tendría que echarle un vistazo, y a ver qué pasa…

Y mira tú por dónde, la excelente impresión visual ha preludiado las excelencias del contenido. La narración, en dos líneas paralelas que se entrecruzan siguiendo la técnica huxleyana del contrapunto, va mostrando la relación del autor con su padre en dos momentos cruciales en la vida de ambos, y que, por sí solos, ayudan a definir no sólo la relación entre ellos, sino con otros personajes que llegan a ser de gran importancia en su devenir. De todos modos, la historia no cuenta nada especialmente interesante (un resumen del argumento sería, sin duda, algo tópico y aburrido), pero lo que juega es la maestría del autor en el cómo nos lo cuenta. La selección de momentos, la alternancia de sonidos y silencios, el ritmo, el candor que transmiten todos los personajes, el optimismo resignado, sin buenrrollismos ni autoengaños que destila la obra… Hay, sin duda, muchos elementos que podría esgrimir para tratarles de explicar por qué esta vez sí una obra de estas características ha logrado hacer saltar esa chispa. Pero, como decía Pascal, “el corazón tiene razones que la razón no entiende”.

ESAS COSAS

Autores: Neel, Julien

Formato: Cartoné

Tamaño: 17×24

Páginas: 112 Color

Editado por Norma Editorial

Precio 16 euros

Ya podemos encontrar en las librerías especializadas este curioso tomo recopilatorio, primorosamente editado por De Ponent. Se trata de una colección que reúne los cinco números de la serie original del Ángel Callejero, además de historietas promocionales y una inédita, ilustraciones, bocetos y prólogo de Evan Dorkin: completa y con extras interesantes, sin duda. Ahora bien, es probable que el tebeo en cuestión no les suene demasiado, ni conozcan a sus autores, ni tampoco tengan demasiada idea de qué va…

Pues nada, si tienen curiosidad por conocer algunas cosas sobre el tebeo y mi opinión del mismo,sigan leyendo…

Los -desconocidos- autores son Jim Rugg y Brian Maruca, y con esta obra parecen haberse hecho un hueco en el panorama del tebeo indie norteamericano; méritos, desde luego, no les faltan.

En esta serie conoceremos a su protagonista, una adolescente, indigente, expertísima en artes marciales y skater insuperable que se dedica, más o menos, a repartir justicia en un guetto poblado de ninjas, científicos locos, conquistadores españoles que viajan en el tiempo, algún demonio, una divinidad azteca, robots… También le acompañarán un cosmonauta irlandés, un héroe de la blaxploitation setentera o un temerario tullido; una fauna de lo más psicotrónica, como pueden ver.

El tono de las historias está marcado por el homenaje a la cultura pop, las series B, los tebeos antiguos, las películas de artes marciales… Toda una serie de referentes subculturales que se conjugan a la perfección con el trasfondo de crítica social. Éste se hace patente en especial en una historia desconcertantemente realista titulada “El blues del contenedor”.

El dibujo es funcional, más realista y detallista de lo que suele ser habitual en el panorama “indie”. Dado que es un tebeo que contiene mucha acción, está lleno de dinamismo e incluye grandes splash pages, incluso dobles. Ahora bien, no por ser espectacular descuida la expresividad de los personajes o el cuidado en la ambientación y los fondos, aspectos en los que también destaca.

En suma, el tebeo se lee en un suspiro, resulta muy entretenido y los guiños al lector resultan de lo más curioso. Es imaginativo, divertido, ágil y tan ligero en superficie como profundo en segundas lecturas. La gran cantidad de extras que contiene son muy de agradecer, y enriquecen una lectura francamente satisfactoria. La calidad de la edición es francamente excelente, y su precio es muy ajustado (vale lo mismo que el Concrete de Norma, un tebeo con un formato muy similar pero editado por una editorial “grande”). Así pues, si están buscando un tebeo de acción, con elementos fantásticos pero también apegado a la -cruda- realidad, pero que se salga del mainstream, bien pueden probar a hacerse con este tomo.

Ángel Callejero
Jim Rugg y Brian Maruca
De Ponent
Rústica. 208 pág. B/N
14 €

Recupero una entrada que colgué no hace mucho en Comixaría, sobre este curioso tebeo de de Crecy. Entramos directamente en materia.

Yendo por lo que hace a la historia, hay que reconocer que tiene su coña. Los perrocerdos, los glaciarqueólogos, el animismo artístico; las excusas para dar un paseo en viñetas por una parte del catálogo del Louvre son, en mi opinión, imaginativas y con valor por sí mismas. Algo del transfondo que podría interpretarse -la parte que criticaría, si no se burlaría, del método hipotético deductivo aplicado a la investigación arqueológica- me resulta menos interesante. Es decir, mejor tomarlo como algo anecdótico de la trama y no darle demasiada importancia; más que nada porque es demasiado fácil y hasta gratuito: seguro que la mayoría de nosotros hemos caído alguna vez en ello, sepamos o no de la existencia de hombres de Piltdown y demás.

Más sugerente me resulta el modo en el que el tebeo está dialogado, la forma de hablar de los personajes, mezcla de formalismo a la albionense con algo de pedantería gala y hedonismo mediterráneo; todos son mil leches, como el perrocerdo o el avatar que forma el arte con todas sus figuras al final del tebeo.

Sobre el dibujo, se harán una idea a poco que hojeen: plumilla no muy detallada y sin demasiado rayado, y color en aguada formando gradaciones y contrastes entre masas cálidas y frías. La composición es bastante clásica, con un número variable y generalmente alto de viñetas por página, de bordes cerrados y lectura cómoda. Pese a lo fantástico -rayando lo onírico, especialmente hacia el final- de la historia, la narrativa es tan fluida y coherente que no se encuentra ninguna dificultad para seguir la historia, sin que en ningún momento sea necesario volver atrás en busca de un elemento perdido, por ejemplo.

El tebeo funciona, así, estupendamente bien a diversos niveles. Por el lado más superficial, y salvando gustos, resulta estéticamente hermoso de contemplar, colorido y agradable. La historia es entretenida, no decae en ningún momento y el modo de integrar los cuadros y demás obras de arte en la trama no interrumpe, antes al contrario, el hilo. Los personajes, pese a lo tópicos, son curiosos y, como decía, los diálogos se siguen con interés.

Después entramos en estratos más subjetivos y al gusto y posibilidades de cada cual. Es un tebeo al que pueden sacársele muchas cosas, en el que podemos entrar, más o menos pertrechados de terminología académica, a interpretar y ver postmodernidades, subtextos y demás. Gracias a Zeus, no es el clásico tebeo con moraleja ni con perfiles cerrados; en su apertura, su aparente simplicidad y falta de pretensiones juega una de sus mejores bazas.

Resumiendo: quizá descoloque un poquito a según qué lectores, especialmente en su tramo final, pero no deja de ser una historia sin complicaciones aparentes, que puede ser leída sin temor por cualquiera y que deja a cada cual el extraer su propia lectura y provecho. En mi caso, me ha dejado con ganas de conocer más obras del autor; ya les iré contando.

Por fin se ha puesto a la venta el segundo número de esta nueva andadura editorial de la felina fatal, Catwoman. Como sabrán, la nueva fórmula que Planeta de Agostini ha aplicado al título implica una periodicidad trimestral, así que la espera entre número y número se nos ha hecho casi eterna…

Con todo, la espera ha merecido la pena: tres episodios prácticamente intachables, que se leen con emoción e interés crecientes. Sean o no seguidores del personaje, si los vigilantes enmascarados son lo suyo es bien probable que esta serie les enganche… si es que no lo ha hecho ya.

Si quieren conocer algunas de las claves de una de las mejores series DC que se publican en la actualidad -sin spoilers-, ya saben, sólo tienen que seguir leyendo…

En primer lugar, recordamos que el número anterior de la edición española coincidió con el evento Un año después surgido tras las Crisis Infinitas: un salto temporal que nos sitúa, en el caso que nos ocupa, en una situación que incluye varios cambios en el mundo de Selina Kyle, algunos de importancia más que fundamental. Pfeifer consigue sacarle mucho partido a dichos cambios, comenzando por el planteamiento narrativo que está siguiendo la serie. Así, tenemos básicamente dos líneas argumentales que se van entrecruzando: una tiene lugar tras el salto de un año, formando la trama a la que se dedica el grueso de las historias. La otra se desarrolla en flashbacks repartidos en los diferentes episodios, y va mostrando escenas ocurridas durante ese año “perdido”. De este modo, los cambios con los que nos encontramos tan pronto nos introducimos en la historia se convierten en enigmas que los flashbacks van desvelando progresivamente. Además, el cambio de escena cumple otra función narrativa, y es que Pfeifer los intercala hábilmente para retrasar la resolución de escenas cruciales (cliffhangers); recurso tan “de manual” como efectivo.

Por otra parte, los personajes son otro de los elementos principales del interés de la serie. Pfeifer ha aprovechado -y muy bien, por el momento- el reparto habitual de secundarios que utilizara su antecesor, Ed Brubaker, en la serie: Holly Robinson, Slam Bradley y su hijo, Karon y Wildcat, básicamente. Al menos uno de estos personajes tiene ahora un protagonismo esencial, como sabrán quienes hayan leído siquiera unas páginas del número anterior. A estos personajes se añaden algunos nuevos, como un policía obsesionado con Catwoman o cierto villano cinéfilo. Otro villano visto anteriormente por la serie continúa dándole problemas a Selina… y no sólo a ella.

Pfeifer mueve con gran habilidad a todos los personajes, teniendo bastante claro -más, sin duda, que al principio de su etapa- hacia dónde quiere ir. Los diálogos -y algún monólogo de villano de vieja escuela- resultan creíbles, las reacciones de cada uno los caracterizan de manera coherente, la evolución sufrida por algunos de ellos consecuente con lo que sabíamos: en suma, no hay personajes out of character, defecto tan corriente últimamente en el género.

A los hábiles recursos narrativos y el correcto tratamiento de personajes hay que sumarle una trama adictiva y emocionante, que obliga prácticamente a devorar una página tras otra sin que el interés decaiga en ningún momento y que deja con auténticas ansias de saber qué ocurrirá a continuación. En parte, es una lástima que no se publique a razón de un episodio mensual, puesto que los cliffhangers suelen ser de infarto… por no decir que, como ya apuntábamos más arriba, la espera de tres meses se ha hecho casi eterna.

Y no menos meritorio que el guión de Pfeifer resulta el excelente dibujo de David López y Fernando Blanco. Si en la entrega anterior ya me llamó la atención el cuidadísimo dibujo de los españoles y la espectacular evolución -a mejor- de López respecto a su anterior Ángel Caído, ahora, tras seis entregas mensuales, puedo decir que estoy realmente admirado de que haya sido capaz de mantener, si no mejorar, el nivel tras tanto tiempo sin tomarse descanso alguno. No es sólo que sus dibujos sean agradables, sus fondos trabajados y su narrativa limpia y comprensible; es que, además, López se permite forzar todo tipo de perspectivas y encuadres -tanto mete picados y contrapicados desde ángulos imposibles como, con la confianza en su dibujo de un auténtico maestro, se permite acercar o alejar la “cámara” tanto como la escena lo requiera, sin temor a los planos generales que obligan a demostrar su dominio de la anatomía humana y del dibujo arquitectónico-. La composición de página es tan variada como fluida, y hay que pararse a analizarla para darse cuenta de lo imaginativa que es y lo bien resuelta que está. López dibuja de todo y todo lo dibuja bien, favorecido por las tintas de Blanco, muy limpias y detalladas, y el color de Jeromy Cox, que, con no tapar la labor de los dibujantes, ya tendría una labor meritoria.

En resumen, vuelvo a lo que decía al principio: una de las mejores series del universo DC actual, en mi opinión -desde luego, la que más le gusta a un servidor-. Tiene todo lo que se le puede pedir a un tebeo de vigilantes enmascarados, y más todavía: emoción, intriga, personajes memorables, acción y entretenimiento del bueno. No será la serie más popular del panorama mainstream, pero sí que ha llegado a ser, gracias a la labor de dos guionistas en estado de gracia como Brubaker, antes, y Pfeifer, ahora, una de las más agradecidas de leer. Yo que ustedes le daría una oportunidad a la gatita.

Por cierto, ¿he mencionado las portadas de Adam Hughes?

Batman presenta 4: Catwoman 2.

Guión: Will Pfeifer. Dibujo: Álvaro López. Entintado: Fernando Blanco. Color: Jeromy Cox.
Edición Original: Catwoman Nº 56 a 58 USA
Fecha Edición: septiembre de 2007
Formato: Comic-book, 72 págs.
Precio: 4,95 €

(Anteriormente en Comixaría).

Parece que de cada vez son más las editoriales españolas que, a rebufo del éxito más que notable que está consiguiendo el manga en nuestro país, se deciden a editar manhwa o, lo que es lo mismo, tebeos coreanos. Una de las últimas en apuntarse al fenómeno es la hispano-argentina Ivrea, y uno de los últimos títulos que nos ha brindado es este entretenido Forest of the gray city.

Comenzaré diciendo que, pese a que no tengo ningún tipo de prejuicio en mis lecturas tebeísticas, no soy muy dado a leer shojo (o su variante coreana, como es el caso), aunque alguna cosilla ha caído, caso de la interesante Tarot Café, por ejemplo. Hay que reconocer que es un género que tiene un target bastante preciso, en principio, con lo que hay que tener, cuando menos, una actitud receptiva cuando se está tan alejado de aquel como es mi caso. Todo esto lo indico tan sólo para dar a entender que no tengo las suficientes lecturas y contextos en este ámbito como para poder hablar del tebeo con un mínimo de justicia, ya que, para empezar, no tengo apenas con qué compararlo, ni sé si es más o menos original, si “fusila” cosas de otros mangas o mahnwas, si el dibujo es o no apropiado… Así que les cuento según me parece y ustedes juzguen.

Bueno, la trama no es algo que parezca muy espectacular, llamativo u original a primera vista: una joven ilustradora coreana está pasando algunos apurillos económicos, con lo que decide alquilar una de las habitaciones de su casa para sacarse unos extras. Esto le cuesta más de lo que pudo prever en un principio, y termina, en circunstancias un tanto extrañas, alquilándosela a un chico. A partir de aquí se suceden las casualidades, las situaciones atípicas y los líos que apuntan hacia un mutuo interés romántico que, sin embargo, dará todavía unas vueltas antes de que pueda (si es que eso llega a suceder) consumarse… y hasta aquí podemos leer.

Como siempre en estos casos, el posible interés no hay que buscarlo en la trama, sino, en todo caso, en el desarrollo de la misma, en las personalidades de los protagonistas y en las propias situaciones que se producen. Bien, en mi caso les puedo decir que la lectura ha sido de lo más fluida y entretenida, con algunos momentos bastante divertidos y sin que el ritmo y la intensidad decaigan en ningún momento. Esto se consigue con un buen uso de algunos recursos bastante conocidos en el cómic asiático. La agilidad de lectura, por ejemplo, se consigue a base de colocar pocas viñetas por página, con muy poco texto en cada panel y con un inteligente uso de los silencios y las elipsis. La trama dosifica muy bien las sorpresas argumentales, y cada cierto número de páginas, a la vez que ocurren cosas que hacen avanzar la trama y resuelven algún hilo abierto anteriormente, se van abriendo nuevos puntos de interés, siempre centrados en la relación de los dos protagonistas. Estos resultan, por lo demás, suficientemente complejos y cercanos a la vez como para generar la simpatía del lector; el romance es un estado prácticamente universal, y los avatares que toma no por distintos dejan de resultar comunes.

El dibujo es muy estilizado, muy agradable visualmente y, pese a seguir las coordenadas típicas del manga/ manhwa, tiene la suficiente personalidad como para resultar reconocible. La autora -asumo que femenina, disculpen una deducción que espero no resulte precipitada- cuida especialmente el vestuario y la apariencia general de sus personajes, amén de los fondos -tirando en ocasiones de fotografías “quemadas”-, y la conjunción de detallismo y expresividad resulta bastante equilibrada. Conozco otros tebeos de temática similar mucho más recargados y ultrabarrocos, hasta el punto de caer en el amaneramiento y, por qué no decirlo, la cursilería. Tendrán su encanto igualmente, no digo que no, pero…

Resumiendo: un tebeo que me ha parecido una lectura de lo más entretenida, muy hábilmente narrada, adictiva y con momentos realmente divertidos, con un dibujo elegante, expresivo y como muy cool, ya saben. Por ponerle un pero: los personajes del tebeo tienen un aspecto de anoréxicos que asusta; seguro que no dan el peso para desfilar por la pasarela Cibeles. Nadie es perfecto, dicen.

 (Anteriormente en Comixaría).

Mirando por mi librería habitual me he encontrado con una obra que suponía agotada desde hacía un tiempo y que, por lo visto, Glénat ha reeditado recientemente. Se trata de Noise, obra del singular mangaka Tsutomu Nihei y que contiene sus primeros trabajos publicados, previos a su exitosa serie de culto Blame!, de diez volúmenes.

Es el primer manga que leo de este autor; debo decir que, pese a que ya había leído algunas cosas sobre él y, en parte, sabía más o menos a qué atenerme, ha conseguido sorprenderme…

Lo primero que llama la atención, sin duda, es la ambientación del cómic. Nihei tiene formación, al parecer, en arquitectura, y ésta se deja notar en los intrincados diseños de sus decorados. Encontramos pasillos y túneles que parecen no tener principio ni fin, edificios cuya altura parece incalculable, estancias hipertecnificadas repletas de cables, tubos, pantallas, contrastando con otras que sólo parecen acumular podredumbre y objetos inservibles. Los ángulos de cámara elegidos por Nihei terminan en puntos de fuga oscuros y sin final; ninguna perspectiva, por amplia que sea, es capaz de ofrecer una visión completa de aquello que se esté mirando. Todo parece colosal, inmenso, pero también plagado de kippel, de erosión y decadencia.Los personajes, en cambio, son altamente delgados y estilizados, a veces casi una mera bruma que se confunde entre el fondo. La mezcla entre biología y tecnología de la que suelen hacer gala remite a los tópicos de la Nueva Carne y, particularmente, a los universos biotecnológicos pesadillescos de H. R. Giger.

A todo esto contribuye el singular estilo de dibujo de Nihei. Que es un magnífico ilustrador puede comprobarse en las portadas de sus mangas, amén de en las preciosas páginas a color que incluye este volumen. Sin embargo, los interiores parecen estar dibujados de un modo terriblemente apresurado, con un entintado que parece conjugar la línea gruesa y la mancha del pincel con profusos rayados de rotring o plumilla. Las escenas sosegadas, con planos silenciosos en las que los personajes se pasean por los impresionantes decorados que imagina el autor, se alternan con otras en las que prima la acción más trepidante. Las líneas cinéticas, la ausencia casi total de diálogos y las enormes viñetas aceleran el ritmo de lectura, de tal modo que éste tan sólo se ve interrumpido por uno de los “defectos” que he visto suele achacarse a este autor: su confusa narrativa. Hay momentos en los que difícilmente podemos distinguir qué demonios está ocurriendo, y, cuando se asienta el polvo y regresa la tranquilidad, tan sólo podemos intentar adivinar cuál ha sido el resultado de la lucha por quién sigue en pie.

Por lo demás, esto es coherente con el críptico desarrollo argumental, suficientemente oscuro para que el lector tenga que poner mucho de su parte si quiere “entender” de qué va la historia… o para que pueda interpretarla a su propio modo. Así, este manga frustrará las expectativas de aquel lector que espere una historieta meramente de acción y entretenimiento.

En la superficie, éste es un tebeo -uno más- de temática ciberpunk, de ciencia-ficción y acción desbordante. Pero sus peculiaridades lo convierten en algo más -o en algo menos, según se mire-: en un tebeo con una fuerte impronta personal, en una obra que trasciende el mero objeto de consumo para exigir algo más al lector, una implicación en la obra, en sus silencios, sus laberintos, sus elipsis imposibles, sus planos que apuntan al infinito, su mirada caótica y poco complaciente.

Es, en suma, un tebeo que frustrará a más de un lector que espere un mero seinen de acción y que, en cambio, tal vez atraiga la mirada de lectores con otro tipo de inquietudes. En todo caso, antes de atreverse a entrar en el universo de Blame!, bien puede merecer la pena echar un vistazo a este tomo. En el caso de que se decidan a viajar por el universo de Nihei, les deseo suerte.

(Anteriormente en Comixaría).